Pendant l'été 1977, un groupe d'enfants passe ses journées au "château", amoncellement de matériaux dans un terrain vague. Fils d'immigrés du Sud de l'Italie, ils rêvent déjà d'un avenir meilleur. Alors qu'un médecin s'est installé dans le quartier, on retrouve des petites filles tuées. Les enfants, adultes avant l'âge, assistent aux évènements avant de prendre eux-mêmes les choses en main, ce qui les hantera pour le restant de leurs jours. Dans les années 2000, Sandro étouffe son fils à trop vouloir le protéger, l'institutrice Cinzia ne réussit pas à se faire comprendre de ses collègues aux conseils de classe, et l'ex-chef de bande Carmine est au chômage et passe ses journées au bar.

Film étrange et inclassable, à la fois fellinien, pasolinien et directement sorti des faits divers qu'on lit dans les journaux, où les meilleurs acteurs du cinéma italien actuel sont réunis autour d'une histoire sordide, "Ruggine" ("rouille" en français) va et vient entre 1977 et aujourd'hui, en mettant en parallèle un fait qui va marquer trois enfants et ce qu'ils sont devenus à l'âge adulte. C'est d'ailleurs le principe utilisé dans "La prima cosa bella" (où il y avait aussi Valerio Mastandrea), mais ici c'est au profit d'un drame qui ne laisse pas la moindre place à l'espoir. Les images de l'été 1977 sont beaucoup plus chaudes que celles du film de Virzì, on ne respire pas dans la misère de la banlieue milanaise; celles d'aujourd'hui sont d'une extrême froideur, mais toujours sans la possibilité de s'échapper.

Daniele Gaglianone mêle habilement ici des thèmes propres à Pasolini et à Fellini. L'un filmait la misère des immigrés et la fin de la lutte des classes ("Théorème"), l'autre racontait ses souvenirs d'enfant passant à l'âge adulte en fantasmant sur les femmes et faisait de Mastroianni son acteur fétiche. Dans "Ruggine", les enfants sont confrontés à l'ignoble à travers un "latin lover" obsédé par les petites filles; trente ans plus tard, ils mangent à leur faim dans leur maison avec télé, mais personne ne pourra les aider à surmonter leur mal, et ils ne pourront rien pour les générations suivantes, qui deviendront ce qu'ils ne sont pas devenus. Servi par des acteurs extraordinaires (Filippo Timi et les enfants en tête), "Ruggine" est construit de façon très intelligente (tout est suggéré, notamment par une belle trouvaille, celle de la voiture à la station-service, ou encore par le rôle de la voix chez le médecin – silences quand il se rend compte de ce qu'il fait, chant à valeur symbolique, dialogues-monologues quand ses patients viennent le voir). Le réalisateur ne juge pas son personnage, il le laisse se condamner lui-même (très grand travail sur la psychologie du personnage), et à la fin du film son "justicier" se condamne à son tour, loin d'une police impuissante et quasiment absente.

Sans être vraiment un chef-d'oeuvre, le film est probablement un des plus intéressants de l'année: évitant toute impression sordide sans être joyeux pour autant, reposant sur une belle photographie (du brûlant au glacial, du net à un flou presque abstrait), de grands acteurs et un réalisateur à suivre. On ne prend jamais partie pour quoi ce que ce soit ici, Daniele Gaglianone dépasse le cadre du simple fait divers pour mettre en avant des personnages d'une psychologie rare au cinéma, le tout dans un présent, un environnement aussi dangereux que ce dont les personnages ne peuvent pas parler.

Casting:

Filippo Timi – le médecin

Stefano Accorsi – Sandro

Valerio Mastandrea – Carmine

Valeria Solarino – Cinzia

Publié au départ en décembre 2010, cet article a été reprogrammé au 29 juin 2011, date de la sortie du film.

Héritier de la comédie à l'italienne, Paolo Virzì sait mêler dans ses comédies les différents genres cinématographiques, et traite ses sujets de façon bien plus profonde qu'il n'y paraît, s'interrogeant sur la recherche par l'homme de son identité et son futur.

"La prima cosa bella" décrit l'histoire de deux enfants tiraillés entre leurs parents séparés, sans pouvoir les comprendre. Lorsqu'en 1971, Anna est élue maman la plus belle de Livourne, la pagaille s'installe dans la famille.

Mario est pris d'une crise de jalousie destructrice et met à la porte sa femme et ses enfants. Dès lors Bruno et Valeria vont de porte en porte, au gré des emplois et des amours d'Anna. Mauvaise actrice, sécrétaire incapable de passer une communication au téléphone, femme trop amoureuse, elle résiste à tout pour l'amour de ses enfants. Mais les enfants vivent autrement les rapports parentaux ; enlevés par leur père, repris par leur mère, ils grandissent dans l'ombre de cette mère trop aimante, trop vivante, trop embarrassante, trop libre, et qui finira par gâcher leur vie à trop les aimer. Ce n'est qu'à notre époque, lorsqu'Anna est atteinte d'un cancer, que ses enfants vont comprendre ce que leur jeunesse empêchait de comprendre, et, peut-être, donner enfin à leur vie le sens qu'elle n'a pas trouvé.

Fonctionnant par flash-backs (tel élément du présent évoquant un élément du passé, comme cette scène où Bruno, observant du dehors la chambre où dort sa mère, se rappelle ce soir où il regardait par le trou de la serrure de sa chambre ses parents se disputer, avant que son père ne les mette tous à la porte), le film fait de nombreux aller-retours dans la vie des personnages à travers les souvenirs de Bruno, puis abandonne peu à peu le passé pour le présent dès lors que Bruno commence à comprendre le sens des évènements qui ont marqué son enfance, et qu'il avait cherché à oublier en abandonnant Livourne.

L'une des plus belles qualités du film est d'utiliser la photographie pour différencier le passé et le présent, tout en donnant à chaque époque sa véritable signification à travers les couleurs et l'ambiance générale. Ainsi, les années 1970, l'enfance d'Anna et de Bruno, sont caractérisées par des tons chauds et orangés. Si le fils s'est toujours senti étouffé par sa mère dont il ne comprend pas le comportement, il se rendra compte plus tard qu'elle les a aimés du mieux qu'elle pouvait et a voulu leur faire partager son amour de la vie et de la liberté. "Ca été très fatigant la vie, mes enfants. Mais on s'est beaucoup amusés aussi, n'est-ce pas ?", dit Anna avant de mourir. Les années 2000 sont représentées par des images plus froides et réalistes : si Bruno et Valeria ont cru que devenir adultes leur permettrait enfin de construire une vie à eux, ils sont en réalité tous deux incapables de regarder les choses en face. L'un se drogue comme un jeune de vingt ans et est devenu professeur de lettres pour éviter de faire ce pour quoi il était doué: l'écriture. L'autre ne veut pas s'avouer qu'elle n'est pas heureuse avec son mari et calme ses nerfs sur son patron. La séquence de la mort d'Anna va préférer la première ambiance photographique à la seconde, avant que le film ne se termine par des plans en plein soleil, indiquant que cette fois tout peut (et va) repartir sur de bonnes bases. 

Critique écrite dans le cadre du Festival de Printemps.

Avant Woody Allen, de nombreux artistes et écrivains (français ou étrangers, mais tous amoureux de Paris) ont représenté la capitale française avec vérité, originalité et un regard approfondi sur elle: Jean Renoir ("French Cancan"), Auguste Renoir, Claude Monet, Izis, Cartier-Bresson, Elliott Erwitt, Claude Autant-Lara, Vincente Minnelli ("Un Américain à Paris"), Louis Malle, le banlieusard René Fallet ("Paris au mois d'août"), Bernardo Bertolucci, Roman Polanski, l'équipe internationale de Paris je t'aime, Sofia Coppola, Julie Delpy, Christophe Jacrot, Alberto Toscano et bien d'autres. Ceux qui reprochaient à Woody Allen de ne s'être pas arrêté après "Hollywood ending" seront d'autant plus déçus par "Minuit à Paris", qui commence par une série de photos (assez jolies c'est vrai) des endroits les plus fréquentés par les touristes, laisse sous-entendre que les Champs-Elysées fêtent le 14 juillet 365 jours par an et que le Français ne sort jamais sans son béret et sa baguette sous le bras, avant de poursuivre avec une galerie de portraits des années 1890 et 1920.

On ne retrouvera pas grand-chose ici du Woody Allen qu'on aime: ni son humour des origines ("Bananas"), ni ses doutes existenciels et sa peur de la mort (résolue ici par Hemingway), ni ses sentiments pour le cinéma commercial américain, à peine ses rapports avec les républicains (auxquels quelques dialogues suffisent). On a du mal à retrouver Woody Allen dans le personnage de Gil, dont la gestuelle ne fait malheureusement pas tout. Les acteurs sont tous bons, notamment Adrian Brody et son rhinocéros, mais aucun d'entre eux ne semble exprimer quelque chose de façon profonde, et se contentent de bien jouer leurs rôles, ayant des temps d'apparition assez courts. On peut néanmoins comprendre que l'histoire de Gil, écrivain incompris venu à Paris avec sa fiancée et ses futurs beaux-parents républicains, et qui se retrouve tout à coup projeté dans le Paris de Fitzgerald et de Picasso, ait enthousiasmé une bonne partie du public. Séduit par une jolie réalisation, un Paris tel qu'il est vu par les étrangers, un aspect comédie romantique et un nombre impressionnant de stars, ce public-là aura passé un très bon moment pour un résultat drôle et plein de charme; les autres trouveront tout ça assez superficiel, avec quelques répliques bien trouvées, mais la magie n'aura pas opéré.